“在途”在当代艺术语境中是一个富有诗意与张力的母题。它不仅描绘艺术家及艺术作品在物理空间中的流动，更深刻揭示当代艺术实践中持续生成、动态展开的关系网络，打破时间与空间的线性界限。在“在途”的状态中，创作行为本身已融入作品之中，而作品的移动轨迹与被观看方式的变化也延展了其生命，构成一种不断发生的存在。展览中的艺术家多活跃于跨文化背景之间，他们的创作体现了身份、经验与地理位置的持续重构。在跨地域迁徙与文化过渡的过程中，艺术家们以个体化的方式回应身份认同的多重性与不稳定性。在创作过程中，艺术家们强调行为、感官经验与材料的互动性。此外，梦境、神话与情感图景在他们的作品中构成一种精神的漂流空间。通过“在途”这一概念，我们得以重新思考艺术在当下全球语境中的生成方式与存在状态。
此次展览分为三个单元展出。
Part1 流动性：自我重塑 Shaping Selves
第一单元包含艺术家黄加煜、贾斯汀·威廉姆斯（Justin Williams）、奥内拉·沃尔普西（Ornela Vorpsi）和唐槊的作品。艺术家们从各自的生命经验出发，以图像、记忆与身体感知为媒介，探索身份在流动中的生成与变形。从性别与身体的界限，到被边缘化的处境、人类普遍的情绪状态，以及童年记忆的回返，这些作品共同描绘了“自我”如何在文化、社会与心理结构之间不断重组。身份不再是固定的标签，而是一种持续生成的过程，是在情感触发、地理迁移与记忆回望中逐步显影的存在形态。通过这些凝视与转译，艺术家构建出一个多维的感性场域，让观者得以进入个体经验的褶皱，体认那些游移不定却极为真实的“我”的可能性。
Part2 过程性：创作未竟Evolving Expression
第二单元包含艺术家乔什·拉兹（Josh Raz）、杨扬、迭戈·塞拉亚（Diego Zelaya）和罗曼·巴古耶和劳拉·布洛伊（Romain Bagouet et Lara Bloy）的作品。艺术家将身体动作、内在表达与材料之间的互动视为作品不可分割的一部分。这一理念可追溯至杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）所提出的“绘画行为即作品”的艺术史转向。艺术家在画布上释放情绪、测试技法、回应历史图像与当下经验，绘画因此成为一种经验生成的空间。在技法与直觉、身体与图像之间反复调节的过程中，绘画既是一种自我凝视，也是一种感知的外化。作品不再是表达结果，而是不断生成的经验本身，它邀请观者进入一个未竟的现场，在层叠的笔触、色彩与结构中体会绘画的即时性与复杂性。
Part3 物质性：情感媒介 Living Matter
第三单元包含艺术家赵瑾雅、雨果·塞文尼（Hugo Servanin）、西尔维娅·卡普佐（Silvia Capuzzo）和俞文杰的作品，聚焦于物质与情感之间的动态关系，将材料视为一种具有感知潜能的媒介。艺术家以各自敏锐而复杂的物质语言回应内在经验的外化需求：玻璃的透明与脆弱、陶瓷的裂痕与致密、绘画与装置中肌理的延展与变形，均成为感知与精神状态的栖居之所。艺术家通过操作材料的物理特性与象征意涵，营造出一种跨越感官边界的经验空间：色彩在光影中生长，肌理唤起身体记忆，材料的破损、沉积、发酵与转化，成为关于个体、历史与人类经验的形象语言。
当代艺术家正在以更加开放而敏感的方式重新书写“创作”本身的定义。他们不再将作品视为封闭的形式或完成的结果，而是将创作过程、媒介转换与生命经验交织为一种流动中的存在实践。他们的艺术语言横跨图像、身体、材料与记忆，不断游移于具象与抽象、个人与集体、物质与精神之间。在这一过程中，艺术不再是固态的物，而是一种持续回应世界的方式——回应他者、回应自身、回应环境与自然。观者亦被引入其中，成为共感与再解读的一部分，让作品在每一次观看中不断生成新的意义。